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与钢琴有关的句子第一篇
《钢琴之森有关的句子》
每个人心中都有一片最安静最柔软的地方，比如之于海的这片森林。
每个人都有一个梦想，努力的去追求，去付出，很拼命，也很执著，甚至有些太过用力，用力到忘记了最初的本真。
没有爱了，就不懂得如何去弹出最感人至深的音符。机械地去做去完成，不是爱的本意，所以，没有快乐，也没有发自内心的东西。
这些，都是修平与海的差别。一个自小练钢琴的富家公子，与一个自小只能在森林里弹破旧钢琴的穷苦孩子的差别。
如果没有遇到他，也许，修平会恨上钢琴。可是遇到他了，这个在森林的月光下幸福弹琴的男孩，这个用心在与音乐与自然交融的孩子，教会了他更多书本外的东西，发自内心的东西。
天赋与生俱来，勤奋应该鼓励，执著本就没错，可是，懂得享受懂得用最初的那份爱去做自己喜欢的事，才是最应该的。
也许已经忘记最初的那份爱了吧？爱过什么的？为什么触动过心的？想要用什么来让自己的心充满的？想要怎样让生活充满幸福的意义的？什么是让自己感到踏实和安心的？什么是让自己在茫茫大地间阔然挺立而艰难前行也无所畏惧的？
在森林里，月亮下，那一瞬间弹出的音符，跳跃如星辰般散落的感动，是直入人心的，那份爱。 没有爱了，请不要再执著。不管是你的梦，还是某个人
蔚蓝的天空，郁郁葱葱的森林，冰霜般的阳光，干净优雅的黑色钢琴，眉目清澈的小男孩——海，光着脚丫，略长的黄发，无拘无束地弹着自己的钢琴，陪伴自己的是周围苍翠的古树，草坪，地上的蚂蚁，和明媚的阳光。
不用学习，没有规则，不需要模仿，仅仅是自己喜欢，喜欢手指在琴键上跳跃的感觉，只是任凭自己的思绪和情感流淌，却能弹奏出世上最美妙的音乐，这就是海，天才的海。
勇敢地与世俗教条背道而驰，去追求自己的音乐，享受自己的人生，没有必要跟任何人比较，做自己喜欢的事，用自己喜欢的方式弹琴，我想，海是每个人所向往的。
艺术，包括钢琴，本来就要任由自己的兴趣去追求，去体验一种超脱忘我的感觉。然而，一旦把它拿到社会上，就有了比较，有了规则和教条，就要一争高下，就像人们把李云迪和朗朗作比较，非要一分高下，其实，这仅仅是无聊的人们的一种消遣，真正喜欢钢琴的人不至于无聊到和去别人比较。像这样，有了世俗评判的眼光，就有了竞争，于是人们把成为第一当做自己的目标，刻苦地练习，追求外在东西的过程是很辛苦的，但耀眼的目标可以暂时麻痹自己。于是，本来内在的体验，变成了外在的追求，便生出许多求而不得的痛苦。
其实，有很多东西是不能拿出来分享的，是不能说出来的，也是解释不了的，只能自己去体验，去感悟，但是自己对这些东西也是难以把握的。我们所能做的就是尽量不要被外在的繁华假象
这是一部很清淡的作品。画面精致细腻，音乐悦耳动听。借助主人公，那些单纯的小学生，我想这部剧场版动画更多的是在说一个关于梦想和现时的故事。 一之濑 海。雨宫 修平。 当你的手指弹响森林中孤独但是音色绝美的钢琴，赤脚踩在踏板上，陶醉地闭上眼睛，在“我的钢琴”的世界里遨游；而我只能坐在练琴室里面对厚厚的乐谱反反复复，怀着憎恶的心情，跳跃着精心保护的手指，弹奏“别人的钢琴”。 修平，出生在音乐世家里的孩子。当他站在刚刚转学的小学的教室，面对陌生的同学做自我介绍时，他说：
“我从4岁起练习钢琴。我的梦想是成为钢琴家。”自豪的说，要成为钢琴家。而事实上，他只是一直活在“父亲是伟大的音乐家”这样的阴影里面，憎恶着钢琴，却不得不练习。片中有许多细节很巧妙。修平和海在去森林里看“传说中的钢琴”的路上，他从口袋里拿出手套仔细地戴好。为了弹钢琴，为了成为伟大的钢琴家，这双手无论如何要好好保护。在之后的情节里，海在和同学打架时修平拦住他并对他说，他的手现在已经不是打架的手了，它有更重要的事情要做。 修平不是娇生惯养的娇贵公子。他只是在别人安排好的世界里活着，却不知道“我的手，由我来决定它做什么”。规定。枷锁。 海，出生贫穷，经常逃学，有些邋遢但是很有个性的调皮少年。每个晚上他从窗户翻出来，坐在森林深处的钢琴面前，整个人就改变了。月光无比温柔地照亮林中空地，少年闭着眼，微笑着扬起手，飞快地移动着灵巧的手指，沉醉在自己的世界。镜头旋转，浓密的森林洋溢着欢快的钢琴声，轻盈得像是要飞起来。 如果说修平的钢琴是一起长大的、不得不在一起的搭档，那么对于海来说，钢琴就是自己最为知心的伙伴。 之后的两人分别通过自己的努力为了不同的目的，从好朋友变成了舞台上的对手。 我要和你放手一搏。修平这样说。 即使有天才音乐家阿字野 壮介作为老师，也确实天赋过人——海最终还是落选了。10个参加决赛的名额里面，没有37号，一之濑 海。 海抬头一个一个数着名字，嘴里不停地念着“37号，37号”。看到31号的修平，看到33号的誉子，一直到四十几号那些完全陌生的名字。短短的公告里面没有他一之濑 海。不是全场起立鼓掌吗，不是大家都为我欢呼，喊着“再来一首”吗。为什么偏偏没有我的名字呢。 修平知道结果后，并没有因为自己事实上是本次比赛的第一名而雀跃。修平弹得很好，没有一点错误，堪称完美。但是当他在观众席上听到海的演奏时他就认定自己输了，因为他又一次听到了真正的“海的钢琴”。因此他只是追问母亲，为什么入选者里没有阿海的名字。他的母亲用惊奇的声音解开了整个谜团：因为他弹奏的不是比赛指定的，莫扎特第八钢琴奏鸣曲K310。 其实在海坐上钢琴凳的时候，他的手指灵巧地跳跃着，演奏的确实是指定的乐曲，莫扎特的K310。但是当他弹到一半的他高高扬起的手停在空中。那是一种模仿——模仿的他的老师，模仿别人的演奏技巧。所以那不是海“自己的钢琴”。于是他的心安静下来——他扯掉领口的领带，踢掉脚上不够正式的球鞋——就像在森林里演奏自己的钢琴一样，弹奏起他常常在月光下独自享受的旋律。 所以他输了。因为他没有遵守规定。 不过正像阿字野老师说的那样，其实有些东西是不能比较的。投入的爱和感情会使音乐富有激情，即使弹别人的乐谱也一样会变成“属于我的钢琴”。 感情是不能比较的。 规定更不能否定这种感情。
与钢琴有关的句子第二篇
《试论钢琴演奏中的分句》
与钢琴有关的句子第三篇
《钢琴伴奏》
与钢琴有关的句子第四篇
《钢琴指法》
钢琴指法.txt大人物的悲哀在于他们需要不停地做出选择；而小人物的悲哀在于他们从来没有选择的机会。男人因沧桑而成熟，女人因成熟而沧桑。男人有了烟，有了酒，也就有了故事；女人有了钱，有了资色，也就有了悲剧。第一、指法的重要性
指法，类似写字的笔顺。要想写好字，必须懂得下笔的顺序。钢琴的指法的意义还要重于笔顺。因为就算不用正常的笔顺，也可以写出能认的字来；但是，不用正确的指法，常常没法顺利弹出乐曲的音符和句子来。
正确的指法，也就是合理的指法。合理，就是合乎手指与键盘关系之理，合乎手指与音符关系之理，合乎各人手指之间的关系之理。合理，才能有逻辑、有规律、有条不紊、不忙乱地弹奏。
1、正确的指法，要以每个手指的独立为前提，同时又会有利于发展每个手指的独立。
2、正确的指法，就是发挥每个手指特长的指法。
3、正确的指法，才能弹好乐句，表达好语气，有利于克服技术困难。
4、正确的指法，还能帮助背谱。有时，记住一个关键的指法，后面的音就顺手而出了。对乐曲的记忆，与对指法的记忆往往是连在一起的。
同时，指法还关系着音乐风格。例如，肖邦的某些指法，好象是他的“专利”一样，只有他才有，只能用他的指法才能弹好他的曲子。总之，不懂得正确指法的基本原则、方法，就不能顺利地掌握钢琴技术。
第二、安排指法的基本规律
不同时代、不同作曲家的钢琴曲，常常有不同的指法用法，因此也难以概括。初学钢琴的学生，如遇到了“指法问题”，可以参考以下几点：
1、尽量减少手部的移位。五个手指对准五个音，是手的原位。假如一个曲调只有五度内的五个音，原则上就不要移位，只用原位指法。当旋律音超出五度范围时，就要移位。移位的原则是移动一次后能在新的位置（新的原位）上稳定一段时间，或者说移动一次能“多管用些”，避免不断地移位。这就要瞻前顾后，自己计算，究竟从哪个音开始转移、转移多远最为有利。
2、移位有两种。一种是手指伸张开（首先是大指与其他指间的伸张）完成的移位。另一种是大指从其他指的下面或其他指从大指上面的越过完成的移位。这两种移位，原则上能用“伸张”方式的，就不用“越过”方式。
3、不要回避“不听使唤”的手指，但也不是故意多用不听使唤的手指，而是要用该用的手指。
4、两个超出八度以外的远距离音的连续，原则上（而非任何情况下）都要用1、5指。这是遵循“缩短路程、节约时间”的原则。试验一下就会发现，任何两个相距两个八度的音，用张开手的1、5指去弹和都用3指弹相比，前者手的移动距离明显小于后者。
将这几条归纳起来就是，尽量保持手位的稳定和手指工作的秩序。
第三、怎样结合乐谱学习指法规律？
初级钢琴教材大都有详尽的指法标记。首先要认真查看这些指法标记，理解这些指法，严格
按指法弹奏，才能从中逐渐领会指法的规律。
但是，毕竟不是每个音都标出来。没标出来的，大多数是不必标出来的，也就是学生应当从标过的指法中推导出该用的指法。这个推导过程，就是个很好的学习指法的途径。
所以，当遇到没有指法标记的音符时，最好不要轻易（用最听使唤的手指）动手就弹，要想一想，应当用哪个手指，这个“想一想”就是在掌握指法规律。
第四、有关指法，最要注意的是什么？
初学者最有必要注意的有三点：
1、预防“指法错误顽固症”。最初识谱时，就要选择好、固定住指法。不少学生，初学新谱搞错了指法，结果就染上了“指法错顽固症”。后来虽经老师一再指出，可就是一再纠正不过来。这可能是先入为主的作用。因此，“先入”正确的指法，最有必要。
2、预防“指法不良循环”。不少孩子喜欢用“听使唤”的手指，避开“不听话”的手指。最典型的是用3指代替4指。如C大调、c小调等等调的左手琶音，许多初学者都用3指代替4指。由于4指不好用，于是该用不用。再如，当左手是一个很低的音和一个上方和弦的结构时，低音必须用小指。有的学生竟用3指代替。越不用，就越不好用，越不好用，越不用，形成了不良循环。
3、注意跳音的指法。跳音，因为音和音断开，缺少经验的学生就会以为指法也个个孤立。其实，跳音只是奏法，而指法的原则与连音则是相同的。
与钢琴有关的句子第五篇
《论钢琴演奏艺术的情感表达》
论钢琴演奏艺术的情感表达
内容摘要：情感表达是钢琴演奏艺术中非常重要的一项。如何使钢琴演奏艺术中的情感表达的更加淋漓尽致，分别从分析和处理钢琴音乐作品、提高听觉的辨别能力及树立自己的演奏风格，来论述情感表达在钢琴演奏艺术中的重要性。
关键词：情感表达 内心听觉 音乐语言 演奏风格
在钢琴演奏艺术过程中，演奏技巧与情感表达是相辅相成，缺一不可。但是在我们演奏过程中，却往往只注重自己的演奏技巧，而忽略了演奏艺术中的情感表达。我认为钢琴演奏过程其实是一种情感表现的过程。它即是演奏者对音乐的情感内涵进行体验的过程，同时也是演奏者自己的情感和音乐中表现的情感相互交融的过程。我们怎样才能把钢琴演奏艺术中的情感，表达的更加淋漓尽致，就此问题本人从以下三个方面谈谈个人的见解。
首先要分析和处理钢琴音乐作品
1、 从分析的角度看。我们如果要成功地演奏一首钢琴作品，并
把它的内容完美地表现出来，首先要对作品有深刻的理解，了解作者的有关情况和他的创作意图，一首音乐作品往往是作曲家内心体验的再现，只有理解和掌握了作品所内含的感情，并用熟练的技巧来表现，这样弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。假如我们拿到一首钢琴作品，以前从来没有接
触过，我们就要自己去分析，具体就从以下几点着手来分析。
（1）首先要了解作品的时代背景。一首音乐作品总是表现了作曲家对某个时代的现实生活的感受。（2）要了解作品的民族特征。俄国作曲家格林卡说过：“创作音乐的是人民，作曲家只不过把它编成曲子而已。”一切音乐作品都深深地植根于民族民间音乐，因此都具有强烈的民族特征。（3）要了解作者的创造个性。作曲家由于生活时代、环境、素养、经历和艺术趣味的不同，表现为各不相同的创作个性。
2、从处理的角度讲。
音乐是一种特殊的语言。对乐句、音乐的感觉有如画家对线条、色彩的感觉。要学会处理乐句，首先要了解句子的抑扬起伏与气息，不懂得钢琴的句法是弹不好琴的。如果音乐的语言处理得恰当，就容易被人们理解和接受。当然，对作品的处理，即要尊重作者原意，又要有自己的见解。然而每一个人对音乐都可能有自己的感受，因此，不能认为只有某种弹法、处理才是对的，别的都不对或不予承认。每个人演奏钢琴时必须注意自己的特点，应该在掌握原作品的风格的基础上充分发挥自己的才能。
因此，我们拿到一首钢琴作品后，首先一定要去分析和处理，这是情感表达在钢琴演奏艺术中最基础的一项。
其次，要提高听觉的辨别能力
在演奏钢琴作品时，要用耳朵去仔细倾听是否弹奏出了作品所要求的音、弹出的音色是不是美？这一切都是要用我们的耳朵去验证。因此，提高耳朵的辨别能力是非常重要的。一首钢琴作品，无论篇幅长短、难度高低，即使是一些有人认为比较枯燥的练习曲，从练琴阶段开始，我们就要用耳朵去仔细倾听，辨别双手是不是弹奏出了作品所要求的音色，是否做到了如同嗓子一样“唱出”了心中的歌。然而，听力水平的培养是一个量变到质变的过程，手上弹、心里唱、耳朵听，时间长了自然就会养成分辨音乐的能力，可以正确的判断自己弹奏的音色是否符合作品的要求。听磁带、唱片、演奏会也是很有必要的，通过听大师们对音乐精妙的处理，无论是强弱、快慢或是音响层次的变化，在钢琴家的演奏中都是千变万化、极其丰富的。我们必须多去听别人演奏，听他们所表达出怎样的情感，从而来丰富自己的听觉判断。
我们还必须要强调耳朵作为演奏过程中至关重要的监控环节，一定要肩负起对音乐总体音响效果严格把关的责任。有时候，我们的听觉会被一些技术难点所分散，而此时，听觉或许也在工作，但并没有对自己演奏的音乐进行完整过程的把握。这是因为我们忽略了用审美听觉来引领技术，对乐谱片段只作了符号式的机械记忆；没有将各种符号要素进行有机的音响记忆整和，并从中听到音乐活性的流动过程。所以我们必须时刻提醒自己在演奏记忆过程中无论碰到任何困难，都不要忘记作品音乐风格的把握。因此，演奏作为二度创作，把握钢琴作品时，我们单凭音乐本能去理解作品的含义或光靠演奏技巧
加冲动去与听众进行心灵沟通是不够的。我们在符合作曲家的表现意图的同时，更应该从理性的听觉角度对作品进行符合规律性的技能驾驭和审美创造，以避免不适当的夸张和错误的诠释。
总之，在钢琴演奏过程中，任何时候都不能忽视了音乐的听觉能力。在打好音乐听觉训练的基础上，不仅从音响的纵、横两个方面来提高自己的听觉能力外，还要时时刻刻注意用良好的内心听觉引领自己的演奏记忆清晰准确，并能促进听觉能力的进一步发展。
最后，要树立自己的演奏风格。
1、把握旋律的表现力。
旋律是音乐中最富于表现力的部分，要想弹好旋律，首先要认真地去读谱，找到旋律的规律、动向及它的形态。要想表现好旋律，更要理解旋律，只有靠自己反复多练、多听，才能体验到作曲家的意图、音乐的风格、句子的结构以及理想中的音色、表现的内涵、语气等等。每一句旋律都要有恰当的呼吸，旋律也应该像唱歌、说话一样，要主次分明，句尾的旋律也要有始有终，但不一定都是渐弱的，有时候也需要渐强、渐慢或逐渐消失，这都要根据作曲家的意图而定的。每个人对旋律的感受不会完全一样，所以表现的程度也不一样，这就要有自己的选择。
2、掌握旋律的歌唱性。
与钢琴有关的句子第六篇
《钢琴演奏中“琴”与“情”的结合分析》
钢琴演奏中“琴”与“情”的结合分析
[内容摘要]： 在钢琴演奏中基本功是钢琴演奏的基础，技巧则是钢琴演奏的重点，而最重要的是要达到“琴”与“情”的结合，它能直接影响到曲子的体现和演奏效果。
[关键词]： 基本功 技巧 “人” “琴” “情” “气”的结合
音乐是为了表达情感而存在的，所以情感在音乐中是不可或缺的重要部分，在钢琴的演奏中也无一例外，那么如何才能做到“琴”与“情”的结合，从而把一首曲子很好的表现出来呢？它必须是“人琴合一”“人音合一”，也就是“人”“琴”“音乐”三者融为一体。这就是钢琴演奏的最高境界，而要达到这种境界，笔者认为可以从以下几个方面去做。
一、首先练就扎实的基本功
1.1 所谓基本功就是钢琴演奏所需要的最基础的技术，也就是我们在演奏时应该注意手指的活动能力和技巧，它包括：音的强弱控制、识谱能力、触键、音色的控制和手腕的放松„„，这些都属于钢琴基本功的范畴。千里之行始于足下，只有打好坚实音乐基础才能在以后的练习和弹奏中找到一定的技巧，才能把作品主题表达出来，给听者一种美的享受。
1.2 钢琴基本功的训练应该从小就开始，因为在童年时获得的印象往往是人一生中最持久的，大多数人都认为我们在十岁前学习和练习的乐曲要比我们在成年时学习和练习的乐曲记得更牢固，因此儿童时代的学习、练习和积累，对于一个人一生的钢琴演奏都将是极为重要的。特别是那些对于以后要从事音乐事业的儿童，更应该在从童年时就在适应其自身的健康和接受能力的情况下，接受尽量多的音乐教育和键盘练习。众所周知儿童要比成年人学得快得多——这不仅因为随着学生各方面的发展，训练越来越复杂，同时也因为儿童大脑的接受能力比成年人要大得多。已有相关资料证明八岁至十二岁的儿童，音乐学习方面的吸收能力简直是无限的，十二岁到二十岁就相对减弱些，二十岁到三十岁更为减弱，到了三十岁至四十岁常常是弱得可怜了。
1.3 所有的老师都认识到在幼年时要给学生尽可能好的训练，而有的家长则认为“我的小孩刚开始学琴，随便哪个老师都行”其实这种想法是错误的，因为小孩的模仿能力是最强的，如果老师的方法不对或是错误的，那么直接会影响到孩子将来的发展，一旦这种习惯形成，在以后的弹奏中是很难更正的。这正如我们建造房子时你说“既然我只是在打基础，用什么材料都行，于是你用劣等的水泥、灰浆、石头、砖瓦、腐朽的材料和廉价的钢筋，并雇佣最便宜的劳动力。但是当盖屋顶时，你又聘请世界上最优秀的屋顶工匠！”然而事实上所有的人都不会这样做，因为基础是房屋中要求最坚固和最完美的部分。其中的每样东西都必须是坚实、牢固、稳定、更是能够承受使用时的压力和时间的考验的。一位富有名望的老师，对于需要深造的学生，他也许会是一位优秀的老师，但他却极有可能不能给初学者打下良好的基础。因为基础方面需要的是扎实的基本功，而不是黄金的装饰，也不是大理石的点缀。我认为初学者的老师不需要具有大演奏家的才华，但是必须要有良好的音乐修养以及广泛的儿童心理知识，儿童时期是身体的各个部分发育和定型的时期，如果这一时期的训练搞不好就会影响到以后的弹奏如手型放不好，手指立不住，弹琴没力度，动作不协调、弹琴没速度等等问题。练习、练习、再练习这是早期训练大脑和手的诀窍，无论做什么事，刚开始时必然会遭遇到各种不断增加的困难，直到抵达某一高度时，所有这些紧张和复杂的问题便会迎
韧而解，并逐渐地融会贯通。学习钢琴也是一样的，只有打好了扎实的基本功，在演奏时才能得心应手。儿童的实谱能力也是基本功中较为重要的一个部分，但其在钢琴演奏技巧中显得尤为重要。关于这一问题，我将在后面的内容中加以阐述。
二、如何运用几种技巧，以至于在钢琴演奏时达到“琴”与“情”的结合
2.1 钢琴演奏技巧是以基本功的积累为前提，以情感的体验为特征的精神产物，有了基本功做铺垫，演奏者才能巧妙的运用弹奏技术表现一定音乐情绪。德国大钢琴家怖洛（Von Bulow）曾说过这样一句话，他说：“对于一位钢琴家很重要的三件事：第一件是技巧，第二件是技巧，第三件还是技巧。如此可见掌握熟练的技巧在钢琴演奏中的重要性，然而技巧又可分为对乐谱理解的技巧、自身技巧和踏板应用的技巧。
2.2要想弹奏一首乐曲，首先要做的就是了解乐谱，一首音乐作品往往是作曲家内心体验的再现，只有掌握了作品所蕴含的情感，并用熟练的技巧来表现，这样弹奏出来的音乐才能有生命力和感染力。要理解乐谱首先就要学会划分乐句，弄清句与句之间的起伏变化和悬接关系，前句是后句的回答还是强调关系等。且还要注意音阶、琶音、各种难易不等的经过句、华彩段。在划分乐句的同时也可以仔细的看看里面的音乐符号，以便在弹奏时能够按照作者的意思把它表现出来。同时还可以达到一个“背诵”的效果，演奏者在音乐会或是音乐比赛中偶尔会遇到忽然终止下来，接不下去或含糊过去的情况，这都是因为没有背熟乐谱的缘故。背谱对于一个学钢琴的人来说，是一件非常重要的事，一场成功的音乐演奏会，除了平时有计划的耐心的学习之外，最后一关，也是最关键的便是背好谱，以便在正式演奏会时，能奏出完美的、动听的乐曲。只有将谱背熟才能够将乐曲经过大脑、经过神经中枢、完全了解、完全消化、完全熟悉，如此，才能表现出作曲家的意愿，也才能将它在演奏中传达给听众，所以在给一首乐曲进行乐句划分时就是一个很好的背谱机会和阶段，由此得出经过大脑的背谱比整天在钢琴上弹奏，只用触觉及听觉的方法背谱要好得多。
2.3自身的技巧就是指那些手指和手腕上的动作，同样一架钢琴，由不同的演奏家弹奏同一首乐曲，带给听者的感受却是各不相同，这不仅与演奏者的性格、感情和当时的情绪以及个人的修养等因素有关。然而最重要的关键则在于触键法的不同，良好的触键法，能使每一个音符发出的音量、停留的时值、应有的力度以及音乐的效果都能恰到好处，并使各音符之间成为有机体的联系，而赋予乐曲活泼的生命力。弹奏钢琴就象人的生活一样多姿多彩。正如乐曲里有很多不同时值与不同音高的音符、休止符、表情与速度变化等等。它们就如同生活中有各种大小、轻重、缓急不同的事情一样。不同的事物要有不同的处理方法。那么要把一首乐曲中的每一个音符都能进行完美的表达，正如要把生活上每一件事情都处理得妥善一样地不容易，然而在掌握了触键法之后还要做到手腕的自然放松，因为手腕能否自然放松会直接影响到手指的灵活度，它决定了你对自身所掌握的弹奏技巧能否达到应用自如，同时也决定了你对音乐的表现力。
2.4钢琴离不开踏板，尤其是现代钢琴音乐更离不开踏板，踏板使用的好坏直接会影响到钢琴音色的变化，和整个音乐的美感。所以钢琴艺术要能够表达最高意境，非使用踏板不可，有人说：“踏板是钢琴的生命”或者说：“踏板使用得当，可以使音响更丰富，也可以美化音色”。踏板的运用本身就是一种艺术。但不幸的是，许多人却把踏板作为掩盖缺点的手段，一件遮盖错误和不良触键的外衣，把踏板作为衰老的太后掩饰皱纹的面罩。踏板不仅是丰富音色的工具，它为艺术性演奏提供了不可缺少的背景，在使用踏板时始终必须紧跟在已经弹出的、打算使用踏板的音符之后，否则那个音就会和上一个音相混而产生不谐和音。以至于产生不好的效果，这就是使用踏板总的规则，当然，也有例外，但是例外只发生于故事要使音响混合，以便产生一些特殊效果的某一瞬间。有了基本功和技巧作基础，钢琴演奏就还差“琴”与“情”的结合。这点尤为重要。
三、“人”“琴”与“情”“气” 的结合。
3.1首先，从人的因素上来说，演奏者的创造意念也尤其重要，它首先要求演奏者必须具有强烈的想去演奏和想去创造的热情。不能把音乐演奏变成一是种很机械的动作，更不能对音乐作品采取消极冷漠的旁观态度。如果演奏者没有在演奏中投入情感和创造热情，那么他演奏出来的作品必然缺乏个性。每个作品都是一个创造者的意念，演奏者应当按自己对作品的理解来处理它。如果演奏的作品总是千篇一律，就如同一个没有特色的饭店，不管端上什么菜，都是一个味道。演奏家要获得成功，必须有丰富的想象力，并且在他每处理每一个作品时都应当有这种个性。因此演奏者必须把每一次音乐表演都作为一次再创造，投入自己的全部热情、创造力和想象力。演奏者对音乐作品应有自己的诠释，这种诠释既要符合原作的基本精神，又要能体现出表演者的创造个性。这就达到了感情与理智因素的统一，完美的艺术作品才能应运而生。例如我们在演奏贝多芬降E大调《皇帝》钢琴协奏曲时，虽然我们要全神倾注的去颂达音乐中所赞美的格调，但这并不意味着就要去俯首唯命。相反只有在我们演奏时将全部心思放在演奏上，充分发挥自己的才干和想象力，作品的意图构思才能表现出来，不然怎么去领会作曲家苦心之中的那些热情、美妙、忧伤和期待。可见演奏家在演奏时对作品的注入的心血越多，情感越丰富，对作品的把握就越高，他才能更大程度地传达该作品。所以说“只有伟大的个性才能明白揭示伟大的创造。”
3.3其次，是将键盘转为自己手指的延伸。做到“琴”与“情”的结合。在演奏乐曲中，音乐已成为了演奏者自己身体的一部分身，它需要真实的发自于内心，并要对所演奏的乐曲做到很好的了解，真正做到想怎么弹就怎么弹。也正如武侠中高手要做到“人剑合一”一样，我们在钢琴演奏时也只有做到“人琴合一”才能将音乐本身所包含的情感表达得淋漓尽致。此时人与琴浑然一体，不分彼此，音乐真正从人的心灵出发，从琴弦的振动中响起，人不再感觉自己和琴是分开的，二者已紧紧合为一体，难以区分出究竟是人在演奏钢琴，还是由于钢琴体内本来就有着如此的声响。此境界也是感情溶入的最高境界，也只有这样才能达到表现音乐内涵的目的。
3.2 再次，演奏好一首乐曲的关键还在于能否融入“气”，这里所说的“气”就是音乐中的“呼吸”，我们知道“呼吸”就是生命的基础，音乐是人类语言的高级状态，它同语言一样有着句子长短之分、有郁扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性，没有呼吸就没有乐句、没有起伏、没有语调、没有了结构，也就没有了生命。在音乐表现中有乐句，乐句与乐句间也有停顿与相连的问题。这里的停顿与连接就是我们所说的“气感”，其中也包括轻重强弱的“气感”，如何使用“气感”与音乐演奏密切吻合呢？一是先要盯准谱子，分析乐曲，以及乐曲中的乐句，哪里该连奏，哪里该停顿，哪里该变换速度等。另一个要注意的问题是“气口”时间问题，音乐本来就是一门表示时间的艺术，当然“气口”的呼吸时间也就比较重要，时间的把握应该与音乐本身的律动节奏相联系。演奏者要善于体会这种包含音乐内涵的感觉，有了这种感觉才可能掌握“气感”的时间，如：在演奏一句有几十小节长的旋律时是就必须以缓慢而绵长的气息为根本。同样，在需演奏情绪高涨、激昂或者速度较快的一段乐曲时，其呼吸，气感也相应的加快，到高潮音之前的呼吸，也可能呼吸的深一点，但不管怎样这些“气感”必须与乐曲是一致的，与乐段，乐句的分解相一致。这就要求在演奏曲子前要熟练掌握乐曲的旋律从而找到和感觉乐曲的呼吸和气口，要反复的唱，加深体会，然后将它运用到实际演奏中去，即将自身的呼吸、音乐的呼吸融为一体。
例如：在弹奏钢琴舒伯特曲《军队进行曲》时，首先我会大致的了解作者和他创作的风格。他所创作的曲调朴素自然，和声新颖，大小调交替，充满了戏剧性。他将瞬息间的遐想行之于乐谱，把感受到的一切化为音乐形象，构成了他独有的浪漫主义的旋律。其次，了解进行曲是一种群众比较熟悉的通俗性音乐体裁，通常是以进行的节奏，来起到统一群众队伍行进步伐的作用。《军队进行曲》它除了具有进行曲的典型节奏之外，具有优美旋律，清新自然的和声，转调手法色彩新颖，使得这首乐曲成为舒伯特钢琴曲中出类拔萃的不朽之作。再次分析乐曲，这首乐曲的引子是由军鼓的节奏与号角式的音调结合而成，紧接而来的是生气勃勃、英武雄壮的进行曲主题。由此而得出，在演奏时手指必须是很有力的，应把所有的力
量都放在手臂和指尖上，让人听起来有军队里雄壮的气势存在。接下来的中间段落是一个抒情性的对比主题。和上一段形成了一个鲜明的对比。这一段的情形就如同在同一株根茎上却生长出不同的枝叶，开放出五彩缤纷、花团锦簇的花朵一样。最后全曲在军队的节奏与号角式的音调中结束。舒伯特的这首《军队进行曲》，据说是为奥地利的皇家近卫军联队而写的，在演奏这首曲子时，我们所能想到和看到的是，在十九世纪初的维也纳街道上威武的奥地利皇家卫队齐步前进的情景。他们头戴插着羽毛的高筒军帽，身穿带穗肩章的军服，手持长枪，腰悬佩剑的年轻英俊的勇士们，在鼓声与军乐的伴奏下，雄赳赳、气昂昂地行进着。周围全是欢呼的人群和手持鲜花的少女。他们向勇士们挥手致意，欢呼声与雄壮的进行曲旋律汇成了欢乐的海洋。如果在演奏时我们的心里面能有着这样的一副画面，那么在弹奏时就知道应该怎样去处理，什么地方该怎样弹，应该表现出一种什么样的气氛。这样的话也就达到了钢琴演奏时所谓的“琴”与“情”的结合。
总之音乐是为了表达人的感情而存在的。我们应具备哪些方面才能在演奏中很好的表现曲子想要表达和流露的所有感情呢？综上所述，要很好的表现曲子的情感首先必须具备扎实的基本功和卓越的技巧，其次做到“人” “琴” “情” “气”的结合才是最重要的。让音乐表演给人以统一、和谐的印象。
On Piano Playing "Kum" and the "feeling" the combination of
[Abstract]：
In a piano recital in the Piano Recital basic skills is the foundation of skills is the focus of a piano recital, and the most important thing is to be achieved, "Qin" and the "feeling" the combination, it can directly affect the performance results of song.
[Keywords]：
Basic training skills, "people" and "Kum" "feeling" the combination of
[注]：参考文献
1、《音乐演奏技术——理论与实践》 人民音乐出版社
2、《论钢琴演奏》 人民音乐出版社
3、《演奏音乐研究》 上海音乐出版社
与钢琴有关的句子第七篇
《浅谈幼儿钢琴教学正文》
第一章：如何培养幼儿对音乐的兴趣
一、提高幼儿对音乐的兴趣
著名哲学家爱因斯坦曾经说过:“对一切来说，只有热爱才是最好的老师，他远远超过责任。”在音乐学习中也是如此，只有对音乐产生浓厚的兴趣，才会以积极的态度去追求音乐的最高境界。
任何一种语言都有它独特的语感，只有靠多听、多感受，才能真正体味其中的奥妙，不仅音乐如此，钢琴作为一门艺术语言也是如此。优秀音乐作品的耳濡目染，对孩子培养钢琴兴趣起着一种寓教于乐、潜移默化的重要作用。在启蒙教育中，要根据幼儿的心理特点，结合儿歌或者一些卡通人物，生动形象、浅显易懂地表达自己的观点，尽可能不用或者少用一些官方语言，才能达到理想的学习效果。例如：弹奏一小段幼儿熟悉的歌谣，让他们猜一猜是什么歌曲；也可以弹奏几个音程或者单音，让孩子们想象是什么动物或物体发出的声音。和协的音程会让孩子开心发笑，不协和的音程会让孩子恐惧甚至哭泣，像我们的国歌——《义勇军进行曲》就是用纯五度的和谐音程，让人感觉特别的雄伟高亢。引导幼儿在娱乐中学习，感受音乐的魅力，逐渐对音乐产生浓厚的乐趣，真正与音乐成为不可割舍的朋友。
孩子学琴不是为了孤芳自赏，而是为了表现、沟通和创造。教育理论认为，对于少儿来说，自我表现的机会越多，自我发展的潜力就越大。因此，老师应为孩子提供与外界交流、表现的机会。可以在辅导班举行小型的演奏会，也可以让孩子参加一些演出或比赛活动，既让孩子展现自己的特长，又能让孩子看到别人的优点，通过共同观摩，互相寻找差距，既积累了表演经验，锻炼了心理素质，又增强了学习信心，提高了钢琴兴趣。
二、 注重教学的灵活性与趣味性
幼儿时期是人生的起步阶段，也是奠基阶段，启蒙老师对幼儿的教育和成长起着非常重要的作用。作为老师，首先应该是幼儿的朋友，让孩子在心理上感知友好、安全、
信任、放松；其次应该是幼儿的伙伴，让孩子在学习中感知自由、尊重、平等、合作。对于幼儿来说，对钢琴的兴趣并不是天生的，必须要靠后天有意识的引导和培养。幼儿生性活泼好动，注意力容易分散，而且集中时间最多在20分钟左右，这就要求在教学中必须灵活性和趣味性相结合。
老师可以播放一些幼儿喜闻乐见的动漫视频，既有生动形象的卡通人物，又有优美动听的音乐背景，例如柴可夫斯基的《四小天鹅》，教师可以通过语言描绘出小天鹅在湖边嬉戏、跳跃的情景，让幼儿展开想象的翅膀，幻想自己就是那翩翩起舞的小天鹅。可以和孩子一起做音乐游戏，从游戏中训练孩子的听辩力、节奏感以及高低、轻重、快慢，来发展孩子对音乐的想象力等，同时鼓励幼儿多听CD、VCD，内容不要局限，包括轻音乐、交响乐、民族乐、钢琴曲等等。也可以听听音乐大师的演奏，看看音乐家的传记，让孩子接触与钢琴有关的人和事，使其初步了解音乐作品的创作背景、音乐结构和表达的思想情感，以及演奏家的表演风格等等，从而提高孩子对音乐的欣赏能力，逐渐对音乐对钢琴产生强烈的认同感和亲近感。这时告诉幼儿，钢琴是富于表现力的，可以表现很多东西，比如声音、颜色和情绪的变化，但是没有扎实的基本功是不行的。当孩子们有了浓厚的兴趣之后，就可以引导他们进入正规的训练。
三、让孩子在鼓励中健康成长
德国著名教育家第斯多惠有句名言：教学的艺术不在于传授，而在于激励、唤醒、鼓舞。辅导幼儿钢琴也应如此，发现孩子哪怕是微不足道的进步和闪光点，就要及时给予肯定、赞扬和激励，要积极引导幼儿充分表达自己的欲望，大胆展示自己的能力。不管成功与否，应多鼓励一个已尽心尽力却表现平庸的孩子，来肯定孩子的努力与进步，他会更加勤学苦练，变被动的“要我学”为主动的“我要学”，从而得到健康成长顺利发展。如果一个孩子没有练好，自己也觉得不好意思，更担心被老师责怪，这时能够多关心他一些，帮助他找出失败的原因，孩子就会奋发努力，很快赶上进度。反之，如果家长和老师一味指责，孩子只会更加悲观失望，甚至会产生逆反心理索性放弃不学。
在我当助教的时候，发现有一个小朋友钢琴基础不扎实，每次课前检查都表现得很
不理想，上课听讲也是马虎消极，有一种自暴自弃的感觉。后来只要他有一点进步，我就当众给予表扬，并告诉家长孩子有了进步；他渐渐地树立了自信心，听讲认真了，练习也刻苦了，现在有了很大的进步。
对孩子的鼓励，要注意把握以下三点：一要表现得很真诚，让孩子感受到对他的称赞是发自内心的，并对他所做的事情感到兴趣；二要当众表扬，及时说出，针对孩子具体的进步或优点予以赞美，；三要掌握分寸，切不可言过其实，不切实际的赞美是没有必要的。通过正确适当的赞美，让幼儿充满自信，积极做好每一件事，定会有所发展，有所进步。
第二章 启蒙教学的三大要素
一、对幼儿基本乐理的导入
基本乐理是钢琴的灵魂，没有乐理知识的铺垫，就像群龙无首一样，根本找不到作战的方向。在正式上课前，应该提前了解他们的基本情况，如：以前是否接触过钢琴，是否了解一些乐理知识，以及他们的教育状况和性格特点。教学中要根据儿童的心理特征和语言特点，运用生动形象、简单易懂的词汇来教学，才能得到较好的效果。
1、识谱
识谱，就是对世界通用记谱法——五线谱的认识。钢琴音乐都用五线谱来记录，西欧的某些乐器也用五线谱记谱法来记谱，而中国的民乐及歌曲是用简谱来记谱。由于大多数作品是用五线谱记谱法来记录的，因此在学习钢琴之前，我们必须先学习五线谱，掌握一些音乐的基本理论知识，学起钢琴来没有识谱负担，能更快更好地认识键盘位置，掌握钢琴弹奏要领及方法。
2、认识键盘
由于幼儿年龄太小，生理心理特征与成人差异很大，对概念性的知识缺少兴趣，只对有鲜明形象特征的事物感兴趣，因此要因循儿童兴趣特征，画上图画、配合故事来进行。节奏节拍的训练应通过形象的声音念读或舞蹈律动，让儿童在愉快的教学中感受到节奏，学习节奏节拍，为钢琴学习打下良好的识谱及音乐基础。
首先让幼儿了解钢琴是形体较大的乐器，上面有88个键，每一个键按上去声音有高有低，都有自己的名字，也就是音名。其次了解钢琴键盘的排列及大概音响，可以弹一些小片段让他们猜猜象什么声音，引导他们去想象。再次让幼儿观察键盘，认识钢琴由黑键和白键组成，知道黑键与白键的分布特点，并能迅速找出键盘里所有C调的“do”。最后让幼儿找出中央C“do”在键盘上的位置，并知道中音“do”、高音“do”和低音“do”的键盘位置关系；
3、指法
指法，类似写字的笔顺。要想写好字，必须懂得下笔的顺序，钢琴的指法的意义还要重于笔顺，因为就算不用正常的笔顺，也可以写出能认的字来，但是不用正确的指法，常常没法顺利弹出乐曲的音符和句子来。正确的指法，也就是合理的指法。合理，就是合乎手指与键盘关系之理，合乎手指与音符关系之理，合乎各人手指之间的关系之理。合理，才能有逻辑、有规律、有条不紊、不忙乱地弹奏。
初级钢琴教材大都有详尽的指法标记。首先要认真查看这些指法标记，理解这些指法，严格按指法弹奏，才能从中逐渐领会指法的规律。对没标出来的音标，幼儿应当从标过的指法中推导出该用的指法，推导过程就是一个很好的学习指法的途径。所以，当遇到没有指法标记的音符时，最好不要轻易动手就弹，要想一想，应当用哪个手指，这个“想一想”就是在掌握指法规律。
二、掌握正确的弹奏姿势
古希腊哲学家柏拉图曾说过：良好的开端是成功的一半。学习钢琴也是如此，掌握正确的弹奏姿势非常重要，要尽量避免走弯路或者少走弯路，稍不注意养成一些不好的演奏习惯，会成为今后学习中的巨大障碍。因此，在幼儿钢琴入门教学时，要注意教学语言及教学方法，尽量让孩子掌握正确的弹奏姿势。
幼儿初学钢琴，从一开始就必须养成正确的、良好的坐姿习惯。初步入门之后，要求弹奏的速度加快、音域的范围加大，若不能按照正确的坐姿进行弹奏，其表现力就会受到较大的阻碍和限制，所以正确确定面对钢琴的就坐位置尤为重要。
1、坐位点。首先把钢琴凳摆在钢琴前的正中间，然后坐在钢琴凳宽的1/2处，将身体正对着钢琴的正中，使身体的重心得到稳定，同时挺胸微抬头，两肩放松，手臂在身体的两侧自然下垂，两眼平视。
2、脚支点。一般来说，双脚自然着地，右脚稍前，左脚稍后，双脚不可分开太大，大腿稍向下倾斜，并自然弯曲。如儿童坐在琴凳上，这时可在脚下放一个小板凳，小板凳的高度一定要适宜，不可过高或过低，否则不能保持身体的平衡，也就无法正确地利用身体的力量来演奏。如何找到合适的脚支点，关键在于使人体处于最佳的松弛状态。
3、手支点。首先注意身体不要过分靠近键盘，双手放在键盘上，使小臂与键平面之间成10-15度角，肘部的外侧弯曲处处于琴键下方六公分的位置，肘部到手指又微小的倾斜，弹奏时指尖落在黑白键之间的1/2处左右。总之，正确的演奏姿势是弹奏好钢琴的最基本的条件。
4、手型。手型应放松而端正，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触及琴键。五个手指的指端之间呈半圆型，掌关节自然拱起，好像松松地虚握一个圆球，手腕大约与键盘平行，不要拱起或塌陷。大指第一关节应略微弯曲，不要全“躺”在琴键上，仅以指测触及琴键靠边缘的位置，四指和小指应注意端正。
三、掌握基本的弹奏姿技巧
掌握和运用钢琴弹奏技巧，是揭示音乐内涵、塑造艺术形象和刻画典型意境的基础。
1、触键方法
钢琴的触键方法直接影响弹奏的音色、音质、音量，实际上就是如何用力的一个问题，触键的用力形式包括两个方面：用力方式和传力方式。用力方式主要体现在形式不同的触键速度，可以运用手的不同部位，从手指、小臂到肘部、大臂乃至身体，运用不同的重力条件来控制下键速度，可以创造出丰富的声音变化和声音效果。支撑传力方式的改变，直接影响到音质、音色和音量，主要体现于三个方面：触键手指指尖的软硬度，手指各类关节的牢固程度，手腕及用何种方式发挥富有弹性的支撑作用。
2、弹奏方法
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